Der Erlkönig. Johann Wolfgang von Goethe. (1749 - 1832)

Der Erlkönig.

¿Quién cabalga tan tarde a través del viento y la noche?
Es un padre con su hijo.
Tiene al pequeño en su brazo.
Lo lleva seguro en su tibio regazo.

"Hijo mío, ¿por qué escondes tu rostro asustado?"
"¿No ves, padre, al Rey Elfo?
¿El Rey de los Elfos con corona y manto?"
"Hijo mío, es el rastro de la neblina."

"¡Dulce niño, ven conmigo!
Jugaré maravillosos juegos contigo;
muchas encantadoras flores están en la orilla,
Mi madre tiene muchas prendas doradas."

"Padre mío, padre mío, ¿no oyes
lo que el Rey de los Elfos me promete?"
"Calma, mantén la calma, hijo mío;
el viento mueve las hojas secas."

"¿No vienes conmigo, buen niño?
Mis hijas te atenderán bien;
mis hijas hacen su danza nocturna,
Y ellas te arrullarán y bailarán para que duermas."

"Padre mío, padre mío, ¿no ves acaso ahí,
A las hijas del Rey de los Elfos en ese lugar oscuro?"
"Hijo mío, hijo mío, claro que lo veo:
son los árboles de sauce grises."

"Te amo; me encanta tu hermosa figura;
y si no haces caso usaré la fuerza."
"¡Padre mío, padre mío, ahora me toca!
¡El Rey de los Elfos me ha herido!"

El padre tiembla y cabalga más aprisa,
lleva al niño que gime en sus brazos,
llega a la alquería con dificultad y urgencia;
en sus brazos el niño estaba muerto.

"Der Erlkönig" (comúnmente llamado "El rey de los elfos", aunque literalmente significa "El rey de los alisos") es un poema que describe la lucha de un padre por la vida de su hijo, asediado por un ser sobrenatural, que representa la muerte.
Cuenta una historia que Goethe visitaba a un amigo y, tarde una noche, una figura oscura cargando un bulto en sus brazos fue vista cabalgando hacia las puertas de la ciudad a gran velocidad. Al día siguiente Goethe y su amigo se informaron de que era un granjero que llevaba a su hijo enfermo al médico. Este incidente (junto con la leyenda) fue probablemente la inspiración para Goethe.
El poema comienza dando la impresión que el niño simplemente está padeciendo una vaga y no especificada dolencia, y ve la muerte como producto de su imaginación. Al avanzar la lectura del poema, éste toma un tono más oscuro para terminar con la muerte del niño.
Algunos lectores, al visualizar al padre llevando a su hijo asumen que el niño necesita ayuda médica pero la caracterización del poema hace suposición ambigua.

La naturaleza del Rey de los Elfos está sujeta a debate. De acuerdo con el folclore alemán y danés el Rey de los Elfos aparece como presagio de la muerte,  pero a diferencia de la banshee, el Rey de los Elfos sólo se aparece a la persona que va a morir. Su forma y expresión le dicen a la persona que tipo de muerte tendrá: una expresión de dolor significará una muerte dolorosa mientras que una expresión pacífica una muerte tranquila. Otra interpretación sugiere que la leyenda dice que cualquiera que toque al Rey de los Elfos debe morir.

Dentro de las diferentes interpretaciones de Erlkönig, una de ellas parte del interés de los Nazis por la juventud alemana durante los años de la Segunda Guerra Mundial en la que, por medio del simbolismo de  esta obra, enviaban como banderín de enganche a los jóvenes alemanes al frente de batalla.  Otra interpretación, recogida en las últimas líneas del poema de Goethe, señala una muerte simbólica del niño como tal y el paso a la madurez.

 

 

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El Picapedrero. Henry Wallis (1830-1916).

 Óleo sobre lienzo

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Conocido sobre todo por su  toque realista, en esta obra el pintor nos muestra a un trabajador que parece dormido, si bien, en realidad, ha fallecido de agotamiento. Así como La muerte de Chatterton es preciosista de colorido, en El Picapedrero hace gala de un cromatismo más apagado. Los colores otoñales enfatizan el hecho de que el hombre ha fallecido tempranamente. Se cree que Wallis realizó el cuadro como protesta por la Ley de los Pobres de 1834, que obligaba a quienes perdían el empleo a ingresar en un asilo o casa de pobres, razón por la que algunos trabajaban hasta la extenuación y morían. En el marco de esta pintura, aparece un verso de un poema de Tennyson: “Es ahora cuando concluye tu larga jornada laboral”. Creo que es aquí donde Wallis define la vida de estos trabajadores como una mísera vida repleta de sacrificios y privaciones.

El Picapedrero se expuso en la Royal Academy de Londres en 1858 y cosechó muy buenas críticas, si bien al principio no se captó el verdadero mensaje del mismo. El Picapedrero marca el distanciamiento de Wallis de los principios de prerrafaelismo y la adopción  del realismo social por parte del autor. En 1859, el artista recibió una herencia que le posibilitó dejar de pintar para ganarse la vida. Sin embargo, siguió adelante con su producción, aunque en sus obras tardías ya no se advierte el apasionamiento de sus primeros cuadros. Wallis también fue coleccionista e historiador del arte, y legó su colección de cerámica al Victoria Albert Museum de Londres.

Esta magnífica obra podéis verla en el  Birmingham City Museum and Art Gallery.




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Los Funerales. Mensaje hallado dentro de una botella.

¡Qué espectáculo tan amargo  y tan solemne es la pompa de los funerales!

La Iglesia colgada de negro, porque un hombre menos padece la vida; las hachas que se encienden para ojos que no ven; los cánticos que resuenan en torno de aquél cuyo oído se ha cerrado; los salmos que se hacen salir de sus labios mudos; el agua que se echa sobre la planta seca como si debiera renacer; y más lejos, en el cementerio, los homenajes que se dirigen a un viajero que ha partido ya; esos elogios que se le libran como un pagaré; las descargas de la mosquetería que parecen anunciar a otro mundo la llegada de un embajador; los lloros que se dejan caer en la fosa, cuántas esperanzas, cuántos sarcasmos…

¡Borrad esta última palabra; echar de menos es creer. No se saluda sino a quien se ve. No se dice adiós sino a quien te oye….!




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Invierno. Antonio Lucio Vivaldi (1678 – 1741)

Primer movimiento: Allegro non molto

Este movimiento describe ingeniosamente los efectos del frío, el castañeo de los dientes y el temblor del cuerpo. De nuevo aparece la tempestad; para mitigar un poco el frío, los campesinos corren y patalean.

Segundo movimiento: Largo

Con una placentera y larga melodía del violín solista, evoca una tarde de lluvia disfrutando de esta al abrigo de la casa y al calor del fuego de la chimenea. La lluvia está evocada por los pizzicatos del violín primero y el violín segundo.

Tercer movimiento: Allegro

El movimiento en su inicio hace referencia al caminar lentamente sobre el hielo por miedo a caerse, el hielo comienza a agrietarse y todos ahora corren a refugiarse dentro de la casa; por las hendiduras de la puerta y de las ventanas se filtra el fuerte viento; pese a todo, el invierno nos deja grandes alegrías.

Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741), fue un compositor y músico del Barroco tardío. Se trata de una de las figuras más relevantes de la historia de la música. Su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su época. Vivió los años de transición del siglo XVII al siglo XVIII, es decir, el final del llamado periodo barroco de la música.

En ese momento el legado histórico de la música europea era trascendental, pues había emergido de las primitivas formas del Medievo a la ejecución de varias melodías al mismo tiempo en la polifonía, estilo que diferenciaría a la música occidental de la del resto del mundo. Este género musical se desarrolló tanto en el ámbito religioso como en el profano.

En el concierto barroco son marcados los contrastes: en tempo (velocidad), la exposición temática en forma de eco y la lograda por la oposición de un instrumento en contra de toda una orquesta.

Este reciente estilo musical tendría que adherirse a uno de los conceptos de la estética aristotélica que dominaba en la época; la imitación de la naturaleza.


Cuatro de estos conciertos, pertenecientes a Il cimento dell´armonia e dell´invenzione y reunidos en el Op. 8 (1725) escritos para violín solista, orquesta de cuerdas y clavecín, son los que se conocen con el nombre de Las cuatro estaciones.


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Retazos.

 

“Ni en Esquilo ni en Dante, maestros severos de la ternura, ni en Shakespeare, el más puramente humano de todos los grandes artistas, ni en la totalidad del mito y la leyenda celtas, donde la galanura del mundo se muestra a través de una bruma de lágrimas y la vida de un hombre no es más que la vida de una flor, hay nada que en pura simplicidad de patetismo fundida y unida con sublimidad de efecto trágico pueda ni equipararse ni acercarse siquiera al último acto de la Pasión de Cristo.